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The Velvet Underground (álbum)

Disambig grey.svg Nota: Este artigo é sobre o álbum homônimo The Velvet Underground. Para o artigo sobre a banda, veja The Velvet Underground.
The Velvet Underground
Álbum de estúdio de The Velvet Underground
Lançamento Março de 1969
Gravação Novembro–Dezembro de 1968
Estúdio(s) TTG, Los Angeles, Califórnia[1]
Gênero(s)
Duração Predefinição:Duração
Idioma(s) Inglês
Formato(s) Disco de vinil
Gravadora(s) MGM
Produção The Velvet Underground
Cronologia de The Velvet Underground
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White Light/White Heat
(1968)
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Loaded
(1970)
Singles de The Velvet Underground
  1. "What Goes On / Jesus"
    Lançamento: Março de 1969[2]

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The Velvet Underground é o terceiro álbum de estúdio da banda de rock americana The Velvet Underground. Lançado em março de 1969 pela MGM Records, foi seu primeiro disco com Doug Yule, que substituiu o membro anterior John Cale. Gravado em 1968 no TTG Studios em Los Angeles, Califórnia, o som do álbum - consistindo principalmente de baladas e canções de rock simples - marcou uma notável mudança de estilo em relação às gravações anteriores da banda. O cantor Lou Reed fez isso intencionalmente como resultado de seu abrasivo álbum anterior, White Light/White Heat. Reed queria que outros membros da banda cantassem no álbum; Yule contribuiu com os vocais principais para algumas faixas e a faixa de encerramento "After Hours" é cantada pela baterista Maureen 'Moe' Tucker.

Tematicamente, The Velvet Underground discute o amor, contrastando com os lançamentos anteriores da banda. Reed concebeu a ordem das faixas e baseou suas composições em relacionamentos e religião. "Pale Blue Eyes" foi aclamada como uma de suas melhores canções de amor, embora "The Murder Mystery" seja conhecida por sua experimentação em um retorno de White Light/White Heat. Billy Name tirou a fotografia do álbum da banda sentada em um sofá na The Factory de Andy Warhol. O processo de gravação começou a curto prazo e, embora a banda estivesse com o moral alto, eles ficaram desapontados por Reed ter criado sua própria mixagem do produto final.

Críticas contemporâneas elogiaram o álbum, que foi um ponto de virada para a banda. No entanto, The Velvet Underground falhou nas paradas, novamente sofrendo com a falta de promoção pela gravadora da banda. Reed desempenhou um papel dominante no processo de mixagem e sua própria mixagem do álbum, apelidada de "mix de armário", foi lançada pela primeira vez nos Estados Unidos. O engenheiro da equipe da MGM, Val Valentin, foi creditado por uma mistura diferente que tem sido mais amplamente distribuída desde então. Críticas retrospectivas o classificaram como um dos maiores álbuns da década de 1960 e de todos os tempos, com muitos críticos notando sua produção moderada e letras pessoais. Em 2020, a Rolling Stone o classificou no número 143 em sua lista dos 500 melhores álbuns de todos os tempos.

História

Cale foi expulso do grupo em setembro de 1968, e Yule foi contratado como baixista. Yule foi descoberto por Morrison através do empresário da banda, Hans Onsager.[3] Semanas depois que Yule se juntou ao Velvet Underground, eles começaram a gravar seu terceiro álbum.[4] Lou Reed, o principal compositor da banda, acreditava que a banda não deveria fazer outro White Light/White Heat.[5]

"Achei que seria um erro terrível, e realmente acreditei nisso. Achei que tínhamos que demonstrar o outro lado de nós. Caso contrário, nos tornaríamos essa coisa unidimensional, e isso deveria ser evitado a todo custo."[5] – Lou Reed.

De acordo com Morrison, no início de 1968 a maioria dos equipamentos da banda foram roubados no Aeroporto Internacional JFK, o que influenciou o som do álbum. No entanto, Yule rejeita sua afirmação, explicando que não se lembra de tal evento, esclarecendo que a banda estava simplesmente tocando mais melodicamente - Tucker também diz isso. Reed durante este tempo tinha um gosto crescente por música suave, e em uma entrevista com Lester Bangs ele destacou as faixas "Jesus" e "Candy Says", declarando que a última "provavelmente a melhor música que eu escrevi..."[4] Reed considerou que White Light/White Heat foi o mais longe que a banda poderia ir com tal produção e adicionalmente chamou cada álbum que a banda fez de um capítulo.[2] Eles começaram a gravar depois de uma turnê na Costa Oeste e o empresário da banda Steve Sesnick obteve tempo de estúdio em pouco tempo, então a banda deu pouco tempo para se preparar.[6] Na época, Reed estava gerenciando relacionamentos entre sua namorada Shelley Albin e Billy Name, o que influenciou sua composição.[7]

Gravação

The Velvet Underground foi gravado durante novembro e dezembro de 1968 no TTG Studios em Los Angeles. A banda ficou no hotel Chateau Marmont e excursionou com frequência enquanto gravava.[4] Eles escreveram e ensaiaram no hotel à tarde, gravando músicas à noite.[8] Reed e Morrison tocaram guitarras de 12 cordas da Fender.[4][8] A moral no estúdio era geralmente alta - Yule disse que gravar o álbum "foi muito divertido. As sessões foram construtivas, felizes e criativas, todos estavam trabalhando juntos".[5] De acordo com Yule, levou "algumas semanas para as faixas básicas", descrevendo-o adicionalmente como um "álbum ao vivo de estúdio". Reed intencionalmente tentou colocar Yule no centro das atenções, e os membros da banda suspeitaram que isso poderia ter inflado seu ego. Geralmente, as sessões tinham uma atmosfera feliz;[9] Tucker disse que ela "estava satisfeita com a direção que estávamos indo e com a nova calma no grupo, e pensando em um bom futuro, esperando que as pessoas se tornassem inteligentes e alguma gravadora nos aceitasse e nos fizesse justiça".[5]

"The Murder Mystery" inclui as vozes de todos os quatro membros. Yule afirma que a música foi gravada em um estúdio da MGM na Sixth Avenue, em Nova York, embora isso contradiga nas notas do disco.[4] A música de encerramento do álbum, "After Hours", tem um raro vocal solo de Tucker, solicitado por Reed quando ele sentiu a qualidade doce e inocente de sua voz se encaixar melhor no humor da música do que no seu.[10] Tucker estava nervosa enquanto gravava a faixa, e depois de oito takes fez todos saírem, exceto ela, Reed e Valentin. Depois que ela terminou sua tomada, ela disse que não iria cantá-la ao vivo a menos que alguém pedisse. Reed gravou vários solos de guitarra para "What Goes On"; quando Valentin comentou sobre como eles estavam ficando sem espaço nas faixas, a banda decidiu manter todos eles,[4] já que Reed não conseguia decidir qual deles soava melhor.[11] Quando Reed fez sua própria mixagem para o álbum – que abafou outras partes de apoio, exceto seus vocais – Morrison e Tucker ficaram irritados.[8] Morrison descreveu o produto final como "anti-produção".[11]

Arte da capa

A capa foi feita por Billy Name, apresentando a banda sentada calmamente em um sofá na The Factory de Andy Warhol. Name recebeu 300 dólares pela fotografia, que era o máximo que ele havia recebido na época por uma foto.[2] Yule e Tucker estão olhando para Reed, e Morrison está olhando para longe – de acordo com Tucker, isso é porque Reed estava falando sobre a capa da revista.[12] A contracapa é uma foto de Reed fumando, dividida em duas metades com uma delas de cabeça para baixo, ambas mostrando apenas o lado esquerdo do rosto. Cada lado inclui a lista de faixas e créditos para o registro, que também estão de cabeça para baixo nessa parte da imagem.[2] Reed segurava uma edição da Harper's Bazaar que foi retocada.[9] A arte da capa levou o disco a ser apelidado de "The Gray Album".[13]

O anúncio de página inteira que a MGM usou para a promoção de "What Goes On"

Lançamento

O Los Angeles Free Press listou a data de lançamento de um terceiro álbum como janeiro de 1969 em um artigo de novembro de 1968,[14] enquanto o álbum completo foi visualizado pela revista dinamarquesa Superlove em janeiro de 1969. Phil Morris da MGM disse ao Record World em 22 de fevereiro de 1969, que o álbum estava pronto para lançamento. Quando o álbum foi lançado em março de 1969, os créditos de composição listavam toda a banda, embora Reed tenha escrito todas as suas músicas. Lançamentos posteriores rotulariam Reed como o único compositor. A banda mudou da Verve Records para a gravadora MGM por razões desconhecidas - Sesnick diz que a divisão de rock da Verve estava perto de fechar, enquanto Morrison diz que isso simplesmente foi "uma mudança administrativa".[2] Em última análise, a decisão de se mudar para a MGM foi de Sesnick.[12]

Duas mixagens do álbum foram lançadas. A mixagem inicial é de Reed que aumenta seus vocais e abaixa seus instrumentos, que foi a primeira mixagem vendida nos Estados Unidos. Morrison observou que soa como se fosse gravado em um armário, o que levou ao seu rótulo como "mix de armário". Valentin produziu uma mixagem mais convencional, que Yule mais tarde diria que desconhecia.[2] O mix mais amplamente distribuído é o creditado a Valentin,[9] que foi distribuído por toda a Europa.[1] As duas versões usam performances totalmente diferentes de "Some Kinda Love", ambas tiradas das mesmas sessões de gravação. O "mix do armário" foi escolhido para inclusão na caixa Peel Slowly and See.[15]

Enquanto Onsager não planejava fazer uma turnê até que dois singles comercialmente bem-sucedidos fossem lançados, sua agenda de turnês permaneceu quase ininterrupta, e apenas um single mal sucedido foi lançado. "What Goes On" foi lançado em março de 1969, com "Jesus" como seu lado B. A MGM o promoveu em um anúncio de página inteira no Cashbox, mas sua distribuição foi bastante limitada. O álbum sofreu com a falta de promoção, embora um anúncio de rádio tenha sido usado para a WNEW-FM em Nova York, e a MGM também listou anúncios em publicações como Rolling Stone, Creem e Village Voice. Em última análise, não conseguiu entrar nas paradas da Billboard Top LPs, o primeiro disco da banda a fazê-lo. Tucker atribuiu isso à falta de promoção, enquanto Yule observou como o álbum não era mainstream.[2] Devido ao seu fracasso nas paradas, a MGM não planejava lançar outro álbum da banda.[1]

Recepção

Unterberger observou como The Velvet Underground soou muito mais comercial do que qualquer um dos álbuns anteriores da banda e o rotulou como o ponto em que a recepção crítica da banda se tornou mais positiva.[2] Apesar disso, no entanto, o álbum falhou nas paradas e teve menos sucesso do que os dois anteriores do grupo.[11] Revendo o álbum para o The Village Voice em 1969, Robert Christgau o viu como o melhor trabalho da banda e o achou melodioso, bem escrito e excepcionalmente cantado, apesar de "outro experimento chato" em "The Murder Mystery", que ele chamou de "algum mistério estéreo". Em sua votação para a pesquisa anual de críticos da revista Jazz & Pop, Christgau o classificou como o sexto melhor álbum do ano.[16] Mais tarde, ele o incluiu em sua "Basic Record Library" de gravações dos anos 1950 e 1960, publicada no Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies.[17]

Lester Bangs, escrevendo para a revista Rolling Stone, sentiu que não está no mesmo nível de White Light/White Heat e tem erros com "The Murder Mystery" e "Pale Blue Eyes", mas disse que sua combinação de música poderosamente expressiva e letras profundamente sentimentais convencerão os detratores da banda a acreditar que podem "escrever e tocar qualquer tipo de música que quiserem com igual brilho".[18] Paul Williams, do Crowdaddy, declarou que "todo mundo ama" o novo lançamento da banda e o classificou como seu favorito pessoal desde Forever Changes de Love. Bob Stark para Creem observou como era "tão 'distante' quanto qualquer um dos dois [álbuns anteriores]". Lenny Kaye revisou o disco para Jazz & Pop, rotulando-o como "quase lírico em sua beleza". Outros jornais como Chicago Seed, Record World, Cashbox e o mais mainstream Variety elogiaram o álbum, com o último afirmando que é "uma importante contribuição para o avanço lírico do rock". Adrian Ribolla de Oz, no entanto, lamentou que o "Velvet Underground realmente não soe junto neste álbum". Além disso, Broadside de Massachusetts ansiava pelo som mais antigo da banda.[2] Melody Maker, enquanto elogiava o álbum, simultaneamente descartou pouco comentando que "não é sensacional, mas interessante". Retrospectivamente, em outubro de 1969, Richard Williams da mesma revista elaborou que "a velha crueldade ainda estava lá", rotulando a antiga crítica do Melody Maker como errônea e saudando os três primeiros álbuns da banda como "um corpo de trabalho que é facilmente tão impressionante quanto qualquer no rock".[19]

Reavaliações

The Velvet Underground não impactou a Billboard 200 até sua reedição de 1985, quando alcançou o número 197.[20] De acordo com a Billboard em 2013, The Velvet Underground vendeu 201.000 cópias desde 1991, quando a Nielsen SoundScan começou a rastrear as vendas de discos.[20]

Em uma revisão da reedição do álbum em 1985, David Fricke, da Rolling Stone, observou que tanto o The Velvet Underground quanto seu antecessor não têm a variedade do álbum de estreia da banda em 1967 e a acessibilidade precisa de Loaded. No entanto, ele sentiu que o álbum ainda é edificante como um ciclo de canções suave e sutilmente amplo, cuja produção dura surpreendentemente revela a essência das composições mais expressivas de Reed. Fricke citou o "par irônico" de "Pale Blue Eyes" e "Jesus" como o melhor resumo do "calor esperançoso no centro da raiva dos Velvets".

Revisores profissionais saudaram a produção moderada do álbum. Colin Larkin, escrevendo em The Encyclopedia of Popular Music, disse que o álbum apresentou uma nova sutileza por causa do papel maior de Reed na banda e que "revelou uma abordagem pastoral, mais suave e mais suave, mantendo a aura arrepiante e inquietante de lançamentos anteriores."[21] Em The Rolling Stone Album Guide, Rob Sheffield escreveu que após a saída de Cale, a banda se tornou "mestres em baladas folkies acústica" e que Reed foi inesperadamente encantador no álbum, cuja "cada música é um clássico". A revista Q chamou o álbum de "uma performance de banda cintilante e inesquecível". Nick Butler, do Sputnikmusic, sentiu que, embora não seja tão bom quanto o álbum de estreia da banda, The Velvet Underground "ainda é um álbum brilhante".[22] Greg Kot, do Chicago Tribune, destacou a contribuição moderada de Reed para o álbum, resumindo-o como "pela primeira vez sem John Cale, [Reed] cria um folk rock calmo e incrivelmente bonito".[23] Mark Deming para AllMusic escreveu que as músicas do álbum são as mais pessoais e comoventes que a banda gravou. Brian Eno o declarou seu álbum favorito da banda.[2]

Classificações

The Velvet Underground foi eleito o número 262 na terceira edição do All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin.[24] Em 2003, foi classificado como número 314 pela Rolling Stone em sua lista dos 500 maiores álbuns de todos os tempos. A edição de 2012 caiu para 316, e a edição de 2020 subiu para 143.[25][26][27] A revista NME o nomeou o 21º melhor álbum de todos os tempos em uma lista dos 100 melhores álbuns de todos os tempos.[28] A lista dos 200 melhores álbuns da década de 1960 da Pitchfork de 2017 o classificou no número 12, acima de The Jimi Hendrix Experience.[29] Ultimate Classic Rock listou-o em seus 100 melhores álbuns não classificados da década de 1960.[30] Uncut listou-o no número 52 em seus 200 Maiores Álbuns de Todos os Tempos, acima de Third/Sister Lovers de Big Star, mas atrás de Tapestry de Carole King.[31]

Robert Dimery incluiu o álbum na edição de 2018 de seu livro 1001 Albums You Must Hear Before You Die.[32] Com base em suas aparições em rankings e listagens profissionais, o site agregado Acclaimed Music lista The Velvet Underground como o 11º álbum mais aclamado de 1968, o 39º álbum mais aclamado da década de 1960 e o 188º álbum mais aclamado da história.[33]

Conteúdo

A contenção e sutileza do álbum foi um afastamento significativo da abrasividade direta de White Light/White Heat.[34][35] Reduz as referências sexuais explícitas de seus esforços anteriores, horror e referências a drogas, substituindo-as por discussões sobre religião, amor e solidão.[9] O crítico de música Greg Kot, do Chicago Tribune, caracterizou-o como folk rock,[36] e Troy Carpenter, da revista Rolling Stone, disse que se concentrava no rock suave e melódico.[34] De acordo com o jornalista musical Steve Taylor, The Velvet Underground é um álbum pop por causa de suas músicas mais acessíveis e "foi chamado de Lou Reed com uma banda de apoio devido à ênfase colocada nas músicas em vez de trabalhos sonoros experimentais".[37] O biógrafo Richie Unterberger comentou sobre sua dramática mudança no som: "Tendo feito talvez o álbum mais barulhento de todos os tempos, é quase como se eles tivessem decidido fazer o LP mais silencioso do mundo".[4] Reed disse que todas as músicas do álbum estavam em ordem e se complementam, elaborando em uma entrevista com Howard Smith:[2]

Havia certas perguntas na música de abertura... e então foi delineado, você sabe, através de várias fases. ... termina com 'Jesus', dizendo agora me ajude a fazer isso, cara. ... E depois que você passou por tudo ... daqui até aqui, que é como uma pessoa comum passa, você se depara com 'The Murder Mystery', que é uma inversão total de tudo. Porque você não deveria se deparar com isso, mas você foi. Assim como nos outros álbuns... as pessoas não pegaram [a ordem das faixas]. E neste, eu senti que era óbvio. Mas talvez não fosse. ... E finalmente ele resume, ele diz: 'Essa é a história da minha vida.' ... Mas o que realmente está acontecendo fora de você é 'The Murder Mystery' ... então depois disso, foi meio que, bem, 'After Hours' O que você poderia dizer depois de 'The Murder Mystery'? Exceto que "você fecha a porta, a noite pode durar para sempre." O que é verdade.[2] – Lou Reed.

Reed considerou cada música como "pequenas peças", liricamente sem relação com ele mesmo.[4] Além dos roqueiros vigorosos "What Goes On" e "Beginning to See the Light", o álbum contém músicas melódicas e reflexivas que tratam de várias formas de amor,[35] como "Pale Blue Eyes", "Some Kinda Love", "Jesus ", "I'm Set Free" e "Essa é a história da minha vida". As guitarras gêmeas de Reed e Morrison se tornaram o som mais proeminente da banda,[35] e o álbum tinha arranjos extras que não tinham distorção. A única música que exibiu as raízes de vanguarda da banda é "The Murder Mystery".[35] A música levou duas sessões para ser gravada, e seu poema foi posteriormente incluído no The Paris Review.[11]

Lado A

A faixa de abertura "Candy Says" é inspirada na drag queen e atriz Candy Darling, que era membro da The Factory.[10][4] Yule canta um conto de Darling, que odeia seu corpo e está com dor emocional.[9] Ele faz referência aos pensamentos de Darling afirmando ambiguamente "I’ve come to hate my body / And all that it requires in this world". (Eu vim a odiar meu corpo / E tudo o que ele requer neste mundo).[38] Darling reapareceria na canção de Reed de 1972 "Walk on the Wild Side".[39] Morrison diz que a escolha de Yule cantar a música foi porque Reed estava desgastado pela turnê. Yule é apoiado por harmonias doo wop e vocais de apoio. Esta foi a primeira vez que Yule cantou em um estúdio,[4] e a música foi cantada por Yule por insistência de Reed.[39]

"What Goes On" é otimista e combina várias partes de guitarra contra um órgão; este órgão, tocado por Yule, está presente em mais músicas do disco.[4] Kory Grow da Rolling Stone descreveu o solo de guitarra de Reed na música como "bagpipe-y".[11] Descrito como a "anomalia" do lado um por Rob Jovanovic, é completo com uma "batida agitada", seu som é resultado de Reed aumentar o volume de sua guitarra durante a gravação.[9] R.C. Baker, do The Village Voice, classificou essa música como "um dos maiores hinos existenciais do rock 'n' roll".[40]

"Some Kinda Love" contém letras lascivas, contrastando com o disco, mas ainda tem elementos moderados - Tucker usa apenas um chocalho e bumbo.[4] Descreve ambiguamente o amor, especificamente o amor religioso.[9] Reed faz referência a "The Hollow Men" de T.S. Eliot.[10] Ele escreve sobre dois personagens, Tom e Marguerita, detalhando uma conversa sedutora entre eles.[1] Victor Bockris cita isso como outro exemplo "onde [Reed] faz as letras do rock funcionarem como literatura".[12] Grow disse que a música explica como o amor é uniforme, enquanto "Pale Blue Eyes" simplesmente discutia "outro tipo de amor", especificamente o adultério, de acordo com Reed.[11]

"Pale Blue Eyes" foi considerada uma das maiores canções de amor de Reed - Morrison a destacou do álbum em uma entrevista de 1981. A composição do mesmo remonta a 1966;[4] foi tocada ao vivo desde meados de 1966.[41] Ele descreve o adultério e o pecado como uma extensão das referências religiosas do álbum.[9] Foi inspirado na namorada de Reed na época, Shelley Albin.[15] De acordo com Reed, ele escreveu para alguém que ele sentia falta e que tinha olhos castanhos; faz referência a "I'll Be Your Mirror" e "Been Down So Long It Looks Like Up To Me" de Richard Fariña.[10] Além disso, Sesnick especula que algumas falas são sobre a demissão de Cale.[42] Tucker toca um pandeiro.[1] Reed elogiou o solo de guitarra de Morrison na música:[4]

Tinha aquela bela gagueira nele. Eu nunca poderia fazer isso. Eu sempre me perguntei como diabos ele fez isso. Mas era apenas a maneira como ele tocava – intuitivo, mas intuitivo combinado com o cérebro.[4] – Lou Reed.

De acordo com Reed, "Jesus" não tem nada a ver com religião, embora ele a tenha descrito como uma canção de busca. No entanto, na balada folclórica, Reed pede a Jesus redenção na forma de um sermão alegre.[4] Reed tinha pouco interesse em religião; a mensagem da música é geralmente secular.[1] Durante o curso da música, o baixo de Yule assume um papel principal no apoio instrumental.[9]

Lado B

"Beginning to See the Light" usa uma frase associada à redenção religiosa. Na música, Reed discute sua revelação imaginada[4] e afirma sua distinção de ser amado,[12] desta vez sendo descrito em relação à religião.[11] Ele aborda o movimento do amor livre com as linhas "Here we go again / I thought you were my friend" (Aqui vamos nós de novo / eu pensei que você fosse meu amigo), depois comentando "Como é ser amado?"[13]

"I'm Set Free" é ambíguo, embora saúda Phil Spector; as despedidas no final da música imitam as de "You've Lost That Lovin' Feelin'" da banda de Spector, The Righteous Brothers. Unterberger elogia o solo de guitarra como "um dos mais subestimados do grupo".[4] Esta música também é cantada por Yule.[9] Na música, Reed afirma que está livre de um relacionamento,[11] embora eventualmente descubra que isso não é verdade.[12]

"That's the Story of My Life" tem instrumentação mínima, embora também faça referência a Billy Name. Originalmente, Cale tocou viola para a música em versões ao vivo, embora nenhuma viola tenha sido incluída nesta versão de estúdio.[4] Durante a música, quatro linhas da letra são repetidas.[9] O título e a letra foram inspirados por um comentário de Name, que apresentou Reed a uma de suas maiores influências, Alice Bailey.[1] Bockris resume o tema desta música: "A diferença entre o certo e o errado é a história da vida de [Reed]".[12]

"The Murder Mystery" é uma canção narrada.[4] Ele incorpora um ritmo raga, órgão murmurante, passagens sobrepostas de palavras faladas e vocais cadenciados de contraponto.[43] Durante os versos, Lou Reed e o guitarrista Sterling Morrison recitam diferentes versos de poesia simultaneamente, com as vozes posicionadas estritamente à esquerda e à direita. Para os refrões, Tucker e Yule cantam letras e melodias diferentes ao mesmo tempo, também separadas à esquerda e à direita.[4] Unterberger observou que tem "pouca melodia", e sua narrativa é repetitiva, comparando-a com "discos de 78 rotações e 16 rotações tocados simultaneamente", a faixa fechando com um piano "progressivamente enlouquecido". Da música, Reed fez referência a "Sister Ray", elaborando que a música "faz parte do romance que é um mistério de assassinato". Nunca foi tocada ao vivo em sua totalidade - Morrison elaborou que seria muito difícil de tocar.[4] Jovanovic descreveu-o como uma "mistura incompreensível" e homenagem a White Light/White Heat; Reed o classificou como um fracasso, pois queria que "um vocal estivesse dizendo o oposto [lírico] do outro".[9]

"After Hours" se assemelha a música anterior à Grande Depressão. Este foi seu único lançamento na época com Tucker cantando os vocais principais. Tucker não toca percussão; ela é apoiada apenas por uma guitarra. Tucker conta dizendo "um, dois, três"; um disco de gravação mais antigo rotulou a faixa "If You Close the Door (Moe's Song)".[4] Geralmente, a música discute o isolamento intencional.[11]

Faixas

Todas as músicas compostas por Lou Reed.

Lado A

  1. "Candy Says" – 4:04
  2. "What Goes On" – 4:55
  3. "Some Kinda Love" – 4:03
  4. "Pale Blue Eyes" – 5:41
  5. "Jesus" – 3:24

Lado B

  1. "Beggining to See the Light" – 4:41
  2. "I'm Set Free" – 4:08
  3. "That's the Story of My Life" – 1:59
  4. "The Murder Mistery" – 8:55
  5. "After Hours" – 2:07

Relançamentos

Junto com os três primeiros álbuns do grupo, The Velvet Underground recebeu uma reedição em 1985.[4][44] Essas reedições foram inesperadamente bem-sucedidas, o que levou a mais lançamentos no PolyGram, como Another View. O álbum foi incluído na caixa Peel Slowly and See,[44] e mais tarde seria relançado como uma edição super de luxo para seu 45º aniversário, incluindo versões mono de faixas, demos e apresentações ao vivo.

Disco 2: The Closet Mix ("O Mix do Armário")

  1. "Candy Says"
  2. "What Goes On"
  3. "Some Kinda Love"
  4. "Pale Blue Eyes"
  5. "Jesus"
  6. "Beggining to See the Light"
  7. "I'm Set Free"
  8. "That's the Story of My Life"
  9. "The Murder Mistery"
  10. "After Hours"
  11. "Beginning to See the Light" (Alternate 'Closet Mix')

Disco 3: Mixagem mono promocional

  1. "Candy Says"
  2. "What Goes On"
  3. "Some Kinda Love"
  4. "Pale Blue Eyes"
  5. "Jesus"
  6. "Beggining to See the Light"
  7. "I'm Set Free"
  8. "That's the Story of My Life"
  9. "The Murder Mistery"
  10. "After Hours"
  11. "What Goes On" (Mono Single)
  12. "Jesus" (Mono Single)

Disco 4: Sessões de 1969

  1. "Foggy Notion" (Original 1969 mix)
  2. "One of These Days" (New 2014 mix)
  3. "Lisa Says" (New 2014 mix)
  4. "I'm Sticking with You" (Original 1969 mix)
  5. "Andy's Chest" (Original 1969 mix)
  6. "Coney Island Steeplechase" (New 2014 mix)
  7. "Ocean" (Original 1969 mix)
  8. "I Can't Stand It" (New 2014 mix)
  9. "She's My Best Friend" (Original 1969 mix)
  10. "We're Gonna Have a Real Good Time Together" (New 2014 mix)
  11. "I'm Gonna Move Right In" (Original 1969 mix)
  12. "Ferryboat Bill" (Original 1969 mix)
  13. "Rock & Roll" (Original 1969 mix)
  14. "Ride into the Sun" (New 2014 mix)
  • Nota: As mixagens originais das sessões de 1969 foram lançadas anteriormente nas compilações VU e Another View.

Disco 5: Show em Matrix (Parte 1)

  1. "I'm Waiting for the Man"
  2. "What Goes On"
  3. "Some Kinda Love"
  4. "Over You"
  5. "We're Gonna Have a Real Good Time Together"
  6. "Beginning to See the Light"
  7. "Lisa Says"
  8. "Rock & Roll"
  9. "Pale Blue Eyes"
  10. "I Can't Stand It Anymore"
  11. "Venus in Furs"
  12. "There She Goes Again"

Disco 6: Show em Matrix (Parte 2)

  1. "Sister Ray"
  2. "Heroin"
  3. "White Light/White Heat"
  4. "I'm Set Free"
  5. "After Hours"
  6. "Sweet Jane"

Equipe

The Velvet Underground

  • Lou Reed – guitarra; piano; vocais principais
  • Doug Yule – baixo; orgão; vocais principais (em "Candy Says"); vocais de apoio
  • Sterling Morrison – guitarra; vocais de apoio
  • Maureen Tucker – percussão; vocais principais (em "After Hours"); vocais de apoio

Certificação

Região Certificação Unid. Certificadas/Vendas
Reino Unido (BPI)[45] Ouro 100.000

Referências

  1. ↑ 1,0 1,1 1,2 1,3 1,4 1,5 1,6 Sounes, Howard (2015). «A New VU: 1967–8». Notes from The Velvet Underground: The Life of Lou Reed (em English). Great Britain: Transworld. ISBN 9781473508958 
  2. ↑ 2,00 2,01 2,02 2,03 2,04 2,05 2,06 2,07 2,08 2,09 2,10 2,11 Unterberger 2017, chpt. 6.
  3. ↑ Hogan 2007, pp. 56-57.
  4. ↑ 4,00 4,01 4,02 4,03 4,04 4,05 4,06 4,07 4,08 4,09 4,10 4,11 4,12 4,13 4,14 4,15 4,16 4,17 4,18 4,19 4,20 4,21 4,22 4,23 Unterberger 2017, chpt. 5.
  5. ↑ 5,0 5,1 5,2 5,3 Hogan, Peter (1997). The Complete Guide to the Music of the Velvet Underground. [S.l.]: Omnibus Press. p. 28. ISBN 0711955964 
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Bibliografia

Leitura adicional

Mauro, J-P (13 de Abril de 2018). «The Velvet Underground's earnest prayer: "Jesus"». Aleteia 

Ligações externas

The Velvet Underground em Discogs (lista de lançamentos)

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